Ausbildung

• Schauspiel / Darstellung:
  Grundlagen, Rollenstudium, Improvisation und Dialogarbeit

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  Im Fach Schauspiel / Darstellung an einer Schauspielschule geht es um die Grundlagen des darstellerischen Handwerks – also das Herzstück der Schauspielausbildung. Hier entwickelst du die Fähigkeit, eine Rolle glaubwürdig und lebendig zu verkörpern.

  Das Training ist intensiv, körperlich und emotional fordernd und umfasst sowohl technische als auch kreative Aspekte.

  Was macht man konkret im Fach Schauspiel / Darstellung?

  Grundlagen des schauspielerischen Spiels

  • Wer bin ich als Figur? – Rollenarbeit, Biografieentwicklung, Motivation
  • Was will die Figur? – Ziel, Konflikt, Bedürfnis
  • Was steht im Subtext? – Das Ungesagte, das mitschwingt

  Improvisation

  • Freies Spiel ohne Text, um Spontaneität und Reaktionsfähigkeit zu fördern
  • Entwicklung von Szenen aus dem Moment heraus
  • Vertrauen in Impulse und Partnerarbeit

  Körper- und Raumwahrnehmung

  • Präsenztraining: Wie wirke ich im Raum?
  • Arbeit an Körpersprache, Haltung und Bewegungsqualität
  • Einsatz des Körpers zur Gestaltung einer Figur

  Stimm- und Sprechtraining

  • Deutliche, tragfähige Stimme
  • Emotionale Klanggestaltung
  • Artikulation, Atemtechnik

  Szenenstudium / Rollenarbeit

  • Arbeit mit klassischen und modernen Theatertexten
  • Analyse von Szenen: Was passiert wirklich? Was ist die Situation?
  • Arbeit in Partner- oder Gruppenszenen
  • Figurenentwicklung: psychologisch, physisch, emotional

  Emotionale Arbeit

  • Zugang zu Emotionen (ohne Klischees)
  • Techniken zur glaubhaften Darstellung von Emotionen
  • Emotionen aufrichtig durchleben und ausdrücken

  Methodisches Arbeiten

  • Kennenlernen und Ausprobieren verschiedener Schauspielmethoden
  • Entwicklung einer eigenen Handwerkspalette

  Selbstreflexion & Feedback

  • Arbeit an der eigenen Persönlichkeit
  • Feedbackkultur: Lernen durch konstruktive Kritik
  • Eigene Wirkung erkennen und steuern

  Ziel

  Im Fach Schauspiel / Darstellung lernst du, echt, gegenwärtig und bewusst zu spielen, statt zu "spielen als ob". Es geht darum, authentisch im Moment zu sein, in Beziehung zu treten – mit dem Text, der Figur, dem Partner, dem Raum und dem Publikum.

• Stimme / Sprechen:
  Laut- und Atemartikulation, Resonanzbildung, Textarbeit (klassisch, modern)

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  Im Stimm- und Sprechtraining an einer Schauspielschule lernst du, deine Stimme als Ausdruckswerkzeug bewusst und wirkungsvoll einzusetzen. Ziel ist eine klare, tragfähige, emotionale und flexible Stimme, die sowohl auf der Bühne als auch vor der Kamera funktioniert.

  Was macht man konkret im Stimm- und Sprechtraining?

  Atemtechnik – die Basis jeder Stimme

  • Tiefatmung / Zwerchfellatmung statt flacher Brustatmung
  • Atembewusstsein: Wann atme ich? Wie nutze ich den Atem als Impuls?
  • Atemstütze entwickeln: Kraftvoll sprechen ohne Druck oder Heiserkeit

  Stimmbildung

  • Stimmwärmeübungen (Summen, Sirenen, Tonleitern)
  • Resonanzräume aktivieren (Brust, Kopf, Maske)
  • Arbeiten an Stimmklang, Höhe, Tiefe, Lautstärke
  • Lösen von Stimmverspannungen und Stimmblockaden

  Artikulation & Aussprache

  • Deutliche Lautbildung (Vokale und Konsonanten)
  • Training von schwierigen Lautfolgen und Zungenbrechern
  • Umgang mit Dialekt / Hochlautung
  • Klarheit ohne Künstlichkeit – authentisch sprechen

  Textarbeit und Sprechgestaltung

  • Wie gestalte ich einen Text mit Betonung, Rhythmus, Pausen, Melodie?
  • Unterschied zwischen informativem und emotionalem Sprechen
  • Arbeit an Gedichten, Monologen, Prosatexten, Szenen
  • Subtext sprechen: Was meint die Figur wirklich?

  Körper & Stimme verbinden

  • Stimme ist nie isoliert – sie entsteht im Körper
  • Körperspannung, Haltung, Bewegung beeinflussen den Klang
  • Übungen zur Integration von Körper, Atem und Stimme

  Emotion & Stimme

  • Wie klingen Wut, Angst, Trauer, Freude?
  • Authentische emotionale Färbung statt "aufgesetzter" Stimme
  • Die Stimme als emotionales Instrument

  Sprechen für Bühne und Mikrofon

  • Unterschiede zwischen Theatersprechen (tragfähig, groß) und Mikrofonsprechen (intim, reduziert)
  • Mikrofonübungen, Synchronsprechen, Hörspiel

  Ziel

  Die Stimme soll frei, belastbar, klangvoll und ausdrucksstark sein – ein Werkzeug, das dir erlaubt, jede Rolle glaubwürdig und wirkungsvoll zu verkörpern. Du lernst, deine stimmliche Persönlichkeit zu entwickeln, ohne dich zu verstellen.

• Bewegung / Tanz:
  Elementare Atem- und Bewegungslehre, Rhythmik, Akrobatik, Tanz (modern, standard)

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Im Fach Bewegung und Tanz an einer Schauspielschule geht es darum, deinen Körper als ausdrucksstarkes Instrument zu entwickeln. Der Fokus liegt auf Körperbewusstsein, Präsenz, Ausdruck, Rhythmus und Choreografie. Du lernst, dich mit dem ganzen Körper auszudrücken – sei es abstrakt, emotional oder in Rollen.

Was macht man konkret im Fach Bewegung und Tanz?

Körperbewusstsein & Präsenz

• Wahrnehmungsschulung: Wie bewege ich mich im Raum? Wie wirke ich?
• Spannung & Entspannung – Balance finden
• Ausrichtung: Haltung, Zentrierung, Erdung

Körpertraining

• Beweglichkeit, Kraft, Ausdauer
• Dehnen, Aufwärmen, Mobilisation
• Übungen aus Yoga, Contact Improvisation und andere Bewegungslehren

Bewegungstechniken & Tanzformen

• Zeitgenössischer Tanz / Modern Dance
• Improvisationstanz
• Tanztheater
• Elemente aus Ballett, Jazz oder urbanen Stilen
• Choreografiearbeit – Erlernen und Umsetzen von Bewegungsabfolgen

Bewegungsimprovisation

• Freies Bewegen zu Musik, Text oder inneren Impulsen
• Erforschen von Körpersprache, Emotion, Raumbezug
• Entwicklung einer individuellen Bewegungssprache

Partnerarbeit & Ensemblebewegung

• Spiegelübungen, Gewichtsverlagerung, gemeinsame Rhythmen
• Führen und Folgen – Vertrauen aufbauen
• Gruppenbewegungen: Synchronität, Raumaufstellungen, Dynamik

Bewegung in der Rolle

• Wie bewegt sich meine Figur? (körperlicher Ausdruck einer Rolle)
• Charakterentwicklung durch Körperarbeit
• Tierstudien, Elemente, Archetypen als Inspirationsquelle

Rhythmus & Musikalität

• Bewegung im Takt, Polyrhythmik, Körpersound
• Body Percussion, rhythmische Spiele
• Arbeit mit Musik, Stimme, Atem und Stille

Ziel

Du entwickelst körperliche Ausdruckskraft, Flexibilität und Präsenz. Bewegung und Tanz helfen dir, körperlich differenzierte Rollen zu spielen, Emotionen über Bewegung auszudrücken und dich in Raum und Rhythmus sicher zu bewegen – sei es auf der Bühne oder vor der Kamera.

• Theatertechnik:
  Einrichtung und Umgang mit Licht- und Tontechnik, Einsatz von Kostüm und Requisite

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Im Fach Theatertechnik an einer Schauspielschule lernen Schauspielstudierende die technischen Grundlagen der Bühnenkunst kennen, um besser mit technischen Gewerken zusammenzuarbeiten und ein tieferes Verständnis für den Gesamtprozess einer Theaterproduktion zu entwickeln.

Was macht man konkret im Fach Theatertechnik?

Grundlagen der Bühnentechnik

• Einführung in Bühnenräume (z.B. Guckkastenbühne, Black Box)
• Wichtige Begriffe: Schnürboden, Drehscheibe, Bühnenpodium, usw
• Sicherheitsregeln und technische Einrichtungen

Lichttechnik

• Grundlagen von Lichtwirkung: Stimmung, Farbe, Richtung
• Typen von Scheinwerfern (Moving Light, PAR, Profiler, usw.)
• Lichtsteuerung und Lichtpulte

Tontechnik

• Einführung in Mikrofone, Lautsprecher, Mischpulte
• Klanggestaltung: Raumklang, Hall, Stille
• Einsatz von Ton und Musik in Szenen

Bühnenbild & Szenografie

• Grundlagen der Raumgestaltung und Materialien
• Arbeit mit Modellen oder Skizzen

Kostüm & Maske

• Funktion von Kostüm und Maske im Spiel
• Verwandlung durch äußere Gestaltung
• Stoffe, Farben und historische Stile

Requisite & Ausstattung

• Rolle der Requisiten im Spiel
• Sicherer und funktionaler Umgang
• Organisation im Ablauf einer Vorstellung

Szenenbild, Umbauten & Timing

• Szenenwechsel verstehen und koordinieren
• Effiziente Umbauten
• Timing und Abläufe hinter der Bühne

Ziel

Das Fach Theatertechnik vermittelt Schauspielern ein technisches Grundverständnis, fördert Teamarbeit und schärft das Bewusstsein für Theater als kollektiven künstlerischen Prozess – weit über das reine Spiel hinaus.

• Kameratraining:
  Natürlichkeit, Blickführung, Mimik & Gestik, Nahaufnahme vs. Totale, Szenenarbeit, Technik

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Kameratraining in einer Schauspielschule ist das Erlernen der grundlegenden Techniken und Anforderungen für das Spielen vor der Kamera. Das unterscheidet sich deutlich vom Theaterschauspiel, wo größere Gesten und lautere Stimmen gefragt sind. In einem solchen Training wird besonders auf Feinheiten, Natürlichkeit und Präzision geachtet.

Was macht man konkret im Fach Kameratraining?

Grundlagen des Spiels vor der Kamera

• Unterschied Theater vs. Kamera: Wie verändert sich das Spiel je nach Medium?
• Spiel mit feinen Nuancen: Mimik, Blick, minimale Bewegungen
• Glaubwürdigkeit & Authentizität: Natürlichkeit statt "Über-Spiel"

Technische Aspekte

• Blickführung: Wohin schaut man? Wie funktioniert "Eyeline Matching"?
• Markierung: Auf Position bleiben, ohne unnatürlich zu wirken
• Kontinuität: Bewegungen und Abläufe bei mehreren Takes gleich halten

Szenenarbeit

• Spiel mit Partnern vor der Kamera
• Arbeit mit Texten / Drehbuchszenen
• Close-up vs. Totalaufnahme – wie verändert sich das Spiel je nach Bildausschnitt?
• Einzel- und Dialogszenen üben

Analyse und Feedback

• Aufnahmen gemeinsam ausgewerten
• Feedback zu Körpersprache, Stimme, Präsenz, Glaubwürdigkeit
• Lernen durch Beobachtung der eigenen Aufnahmen

Emotionale Arbeit

• Wie kann man Emotionen echt wirken lassen, ohne zu übertreiben?
• Innere Vorgänge sichtbar machen, ohne sie groß auszuspielen
• Arbeit mit Subtext: Was denkt die Figur wirklich?

Kameratechniken und Basics der Filmproduktion

• Einblick in Kameraeinstellungen, Schnitt, Licht etc., um besser zu verstehen, was technisch passiert
• Zusammenarbeit zwischen Regie und Kamera verstehen

Ziel

Kamerabasistraining hilft Schauspielern, filmisch zu denken und zu spielen. Es geht um das Zusammenspiel von Drehbuch, Handwerk und Technik, um auch im Nahbereich und auf der Leinwand überzeugend zu wirken.

Abschluss der zweijährigen Grundausbildung bildet eine Zwischenstandskontrolle durch die Dozenten der ART KONTOR-Schauspielschule.

• Schauspiel / Darstellung:
  Musiktheater, Clownseminar, Inszenierungen, Erarbeitung des Vorsprechrepertoires

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Musiktheater

Im Musiktheater an einer Schauspielschule geht es darum, die Grundlagen für Rollen mit Gesang, Rhythmus und Bewegung zu erlernen. Der Fokus liegt darauf, wie man durch Stimme und Körper Geschichten im Zusammenspiel mit Musik erzählt. Es sol eine Verbindung geschaffen werden von Schauspiel, Gesang und Bewegung – szenische Musikalität statt reiner Gesangsausbildung.

• Stimmbildung & Technik: Atemführung, Resonanz, gesunder Stimmgebrauch, Artikulation beim Singen.
• Musikalität & Rhythmus: Timing, Taktgefühl, Body Percussion, Arbeit mit Klavier/Playback.
• Liedinterpretation (Song Acting): Figurenziel, Subtext, Übergänge zwischen Sprechen und Singen.
• Bewegung & Choreografie: einfache Abläufe, Koordination von Stimme und Bewegung, Ensemblearbeit.
• Repertoire: Musical/Operette, Chanson/Kabarett, szenische Musiknummern.

Ziel

Ein Lied glaubwürdig spielen und singen, musikalisches Timing beherrschen, Musik als erzählerisches Mittel einsetzen.

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Clownseminar

Im Clownseminar an einer Schauspielschule geht es darum Clownerie (clowneskes Handeln) zu verstehen und erlebbar zu machen. Arbeit an Humor, Präsenz und Spielfreude – Risiko, Scheitern und Kontakt mit dem Publikum als künstlerische Ressourcen.

• Spielprinzipien: Naivität, Offenheit, Statuswechsel, Übertreibung vs. Wahrheit.
• Timing & Komik: Pausen, Blickführung, Rhythmus, Wiederholung und Variation.
• Maskenspiel: Charakterfindung über Körper und Atem.
• Improvisation: Solo, Duo, Trio – Scheitern annehmen, Angebote lesen, Publikumskontakt.
• Pantomime: Körperbewusstsein und präzise Bewegungen, Gestik, Mimik und Körpersprache schärfen, Improvisationen ohne Sprache, Raum- und Objektarbeit (mit imaginären Gegenständen)
• Nummernbau: Entwicklung kurzer komischer Etüden mit Anfang–Mitte–Schluss.

Ziel

Eigene komische Figur(en) entwickeln, publikumswirksam spielen und humoristische Szenen sicher strukturieren.

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Inszenierungen

Das Erlernen von Inszenierungen an einer Schauspielschule ist die praktische Umsetzung eines Theaterstücks oder einer Szene, bei der Schauspieler unter Anleitung einer Regie Figuren, Texte, Bewegung, Stimme und Bühnenmittel zu einer zusammenhängenden Aufführungsgestaltung verbinden, um das Theaterstück lebendig auf die Bühne zu bringen.

Also alles von der Probe bis zur Premiere – das angewandte Zusammenspiel aller Fächer in der praktischen Umsetzung.

• Stoff- & Rollenanalyse: Konflikte, Ziele, Subtext, Biografiearbeit.
• Prozess & Probenmethoden: Tischprobe, szenische Erkundung, Stellproben, Durchläufe.
• Regiearbeit & Umsetzung: Partituren, Rhythmus, Dynamik, Raumwege/Markierungen.
• Gewerke-Koordination: Licht, Ton, Bühne, Kostüm, Requisite.
• Aufführungskompetenz: Premiere, Wiederaufnahme, Repertoirebetrieb, Notfallpläne.

Ziel

Rollen nachhaltig spielbar erarbeiten, ensemblefähig proben und technisch sicher zur Aufführung bringen.

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Erarbeitung des Vorsprechrepertoires

Bei der Erarbeitung des Vorsprechrepertoires an einer Schauspielschule geht es um die Vorbereitung auf Eignungsprüfungen, Vorsprechen und Agenturtermine mit passgenauen Monologen und Liedern.

• Auswahl & Portfolio: 2–4 Monologe (klassisch/zeitgenössisch, komisch/tragisch), ggf. Lied/Szene; Kontraste schaffen.
• Text- & Rollenarbeit: Situation, Partner, Handlung, Subtext; Kürzungen und Zuschnitte.
• Staging & Kamera/Bühne: klare Wege, Blickachsen, Markierungen; Varianten für Raumgrößen.
• Stimme & Körper: Warm-up-Routinen, Präsenz, Tempo, Pausen, Abschlussbilder.
• Vorsprechtraining: Ein- und Ausstieg, Jurykommunikation, Fragerunden, Selftapes.
• Strategie & Pflege: Material aktualisieren, Repertoirelisten, Noten/Playbacks, Kleidung/Requisiten.

Ziel

Ein überzeugendes, vielseitiges Repertoire präsentieren – technisch sicher, typgerecht und erzählerisch klar.

• Stimme / Sprechen:
  Gesang, Ausbildung einer Gesangsstimme

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Gesang

Im Gesangsunterricht an der Schauspielschule lernst du einen gesunden, tragfähigen und ausdrucksstarken Stimmgebrauch, der das Vortragen von Liedern, vor der Kamera und am Mikrofon unterstützt.

• Atem & Stütze: Zwerchfellatmung, Atemführung, ökonomische Luftnutzung.
• Stimmbildung & Resonanz: Aufwärmen (Summen, Sirenen), Registerausgleich, Klangfarben.
• Artikulation & Diktion: Verständliche Textgestaltung ohne Verspannung, Hochlautung/Dialektbewusstsein.
• Musikalität & Rhythmus: Intonation, Takt- und Timinggefühl, Gehörbildung.
• Liedinterpretation (Song Acting): Figur, Situation, Subtext; Übergänge zwischen Sprechen und Singen.
• Stilistik & Repertoire: Lied/Chanson, Musical, Kabarett; passende Tonarten und Zuschnitte.
• Mikrofon & Studio (optional): Mikrofonführung, Aufnahmebasics, Arbeiten mit Playback/Klavier.
• Stimmhygiene & Üben: Belastungssteuerung, Warm-up/Cool-down, effiziente Übemethoden.
• Auftritt & Präsenz: Nervositätsmanagement, Einstiege/Ausstiege, Zusammenspiel mit Begleitung.

Ziel

Eine belastbare, flexible und ausdrucksstarke Singstimme entwickeln, die Text klar trägt und musikalisch wie szenisch überzeugt.

• Bewegung:
  Bühnenkampf, Bühnenfechten, Stunt

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Bühnenkampf

Beim Bühnenkampf an einer Schauspielschule geht es um das sichere und wirkungsvolle Darstellen von Kämpfen auf der Bühne oder vor der Kamera – ohne Verletzungsgefahr, aber mit realistischer Wirkung.

• Technik: Grundschläge, Blocks, Tritte und Falltechniken.
• Sicherheit: Abstand, Timing und Partnerverantwortung.
• Choreografie: Einstudieren und Üben von Kampfszenen.
• Ausdruck: Kampf realistisch und emotional glaubwürdig spielen.

Bühnenfechten

Beim Bühnenfechten lernst du, mit Degen, Säbel oder Rapier stilisierte Fechtchoreografien sicher und ausdrucksstark umzusetzen.

• Grundlagen: Haltung, Beinarbeit und Klingenführung.
• Fechttechniken: Paraden, Stöße und Hiebe für die Bühne.
• Sicherheit: Präzision, Kontrolle und Partnerarbeit.
• Inszenierung: Fechtszenen choreografieren und darstellerisch einbetten.

Stunt

Im Stunttraining geht es um körperlich anspruchsvolle Bewegungen und Szenen, die spektakulär wirken, aber durch Technik und Sicherheit kontrolliert bleiben.

• Fallschule: Sichere Stürze, Rollen und Abgänge.
• Akrobatik: Grundelemente wie Sprünge, Hebungen oder Partnertricks.
• Körperkontrolle: Kraft, Koordination und Ausdauer trainieren.
• Sicherheit: Präzise Abläufe, Risikominimierung und Schutztechniken.

Ziel:

Bühnenkampf, Bühnenfechten und Stunt vermitteln die Fähigkeit, körperlich anspruchsvolle und gefährlich wirkende Szenen sicher, kontrolliert und zugleich glaubwürdig darzustellen – spektakulär für das Publikum, aber stets ohne Verletzungsrisiko.

• audiovisuelle Medien
  Kamera- und Mikrofontraining, Demobandszenen: Video + Audio

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Bei den audiovisuellen Medien an einer Schauspielschule geht es darum, Schauspieltechniken gezielt vor Kamera und Mikrofon einzusetzen und professionelle Demobandszenen als Bewerbungs- und Präsentationsmaterial zu erstellen.

• Kameraarbeit: Spiel vor der Kamera, Blickführung, Markierungen und Close-up/Totalaufnahme.
• Mikrofontraining: Stimme und Sprache optimal für Aufnahmegeräte einsetzen, Lautstärke, Klangfarbe und Artikulation.
• Demobandszenen: Szenen aufnehmen, editieren und als Demoband verwenden, um sich für Rollen zu präsentieren.
• Feedback & Analyse: Eigenes Spiel überprüfen, Optimierungen vornehmen und die Wirkung auf Kamera und Mikrofon verbessern.

Ziel

Lernen, sich vor Kamera und Mikrofon sicher, präsent und authentisch darzustellen und die Fähigkeit zu entwickeln, vor Kamera und Mikrofon überzeugend, ausdrucksstark und professionell zu agieren und dadurch hochwertige Demobänder für Rollenpräsentationen zu erstellen.

• Theorie:
  Film- und Theatergeschichte, Vertrags- und Sozialrecht für Bühne und Medien

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Hierbei geht es darum, das notwendige theoretische Hintergrundwissen für Bühne, Film und Medien zu erwerben, um die eigene Arbeit professionell und fundiert einordnen zu können.

• Film- und Theatergeschichte: Entwicklung von Theater- und Filmformen, Epochen, bedeutende Werke und Persönlichkeiten.
• Vertragsrecht: Grundlagen von Arbeitsverträgen, Rechte und Pflichten von Schauspielern, Lizenz- und Nutzungsrechte.
• Sozialrecht & Berufsabsicherung: Versicherung, Renten- und Sozialversicherungsfragen, Absicherung bei Engagements.
• Praxisbezug: Analyse von Beispielen aus Theater, Film und Fernsehen, Vorbereitung auf reale Arbeitsbedingungen.

Ziel

Die Teilnehmenden erwerben fundiertes theoretisches Wissen, um ihre Arbeit auf der Bühne und vor der Kamera rechtlich, historisch und professionell einzuordnen und abzusichern.

Im 8. Semester werden die Schüler auf das Vorsprechen bei der
ZAV (Zentrale Arbeitsvermittlung der Bundesagentur für Arbeit)
vorbereitet. Die ZAV Künstler-Agentur übernimmt die Vermittlung darstellender Künstler rund um Bühne und Kamera.

Die Schauspielausbildung endet nach einer Abschlussprüfung (drei Abschlussinszenierungen) am Ende des 8. Semesters.